Month: November 2024

Click:上海服务器数据恢复 　　一 　　今年推出的“南张北齐——张大千齐白石书画艺术特展”，为我们提供了关于中国画的不少全新视点。其中很重要的一个，便是中国画的“工匠精神”。 　　众所周知，中国画是一门高雅艺术，而高雅艺术忌讳同时也应排斥的便是工匠、画匠和匠气、俗气。这里的工匠、画匠指的是画品和风格，而工匠、画匠必成匠气、俗气，匠气、俗气又必出工匠、画匠。如清代沈宗骞《芥舟学画编》认为画俗约有五，曰格俗、韵俗、气俗、笔俗、图俗，而倡导“高雅、典雅、隽雅、和雅、大雅”。雅俗如水火，不能相容。 　　这一雅俗之分的关键，一直在中国画坛延续着，如刘海粟先生1923年在上海美专作《制作艺术就是生命的表现》演讲中所说：在宋有画院，以画试士，画风极一时之盛……但是他们作画，自己并没有主观感受，仅仅是顺从画院规定的格式以博帝王的欢心，所以院体派的画千篇一律，好似刻板一样，有工艺的价值，而没有艺术的精神。这种仅以技巧为主的画，完全为别人所支配……明末清初，八大、石涛、石溪诸家的作品超越于自然的形象，是带着一种主观抽象的表现，有一种强烈的情感跃然纸上，他们从自己的笔墨里表现出他们狂热的情感和心灵，这就是他们的生命。他们不受前人的束缚，也不受自然的限制，在他们的画上都可以看出来。在他们的画幅上，虽一丝之隙，一分之地，都是他们生命的表现；即使极微妙之明暗间几为官能所不能觉察之处，亦有其精神存在。 　　正是在这样的形势之下，当时张大千、齐白石致力于为中国画输入“工匠精神”，就需要承受巨大的压力。 　　二 　　事实上，在中国画的高峰唐宋时期，画坛的主要力量基本上都是工匠、画匠，包括从唐代画圣吴道子到莫高窟的画匠，从五代时期的西蜀画家黄筌到国画院的画工；而画史上的精品力作也大多出自他们之手，如张择端的《清明上河图》、王希孟的《千里江山图》。当时的主流文化，不仅对他们和他们的作品不作排斥，反而进行推扬。如高度评价“士人画”的苏轼，对韩干、郭熙等画工的作品同样不吝赞词。然而，从明中后期开始，随着文人画占据画坛主流，画工画便被排斥到了边缘，接地气的艺术精神和艺术风格，从此也被认为是匠气、俗气而不登大雅之堂了。 　　虽然，有大名士王湘绮作为自己老师的面子，但出身木匠的齐白石在北京的卖画生涯依然十分艰难。据他口述的回忆，他的润格“比同时一般的画家便宜一半，尚且很少人来问津，生涯落寞得很”。原因便是当时北京的主流画家，一致认为他只是个“不学无术”的工匠，所作不过“厨夫抹灶”的“野狐之禅”。齐白石自刻印曰“一切画会无能加入”，便是对当时境况的自嘲。如果不是后来先后遇到陈师曾、徐悲鸿的赏识和提携，真不知道20世纪的中国画坛是不是还会有“齐白石”这个名字。 　　齐白石确实是一个工匠。他少年时学的是雕花木作，虽然后来拜胡沁园、陈少蕃、王湘绮为师，但文化程度并不高，作为一个画家，他也只是一个以画谋生的画匠，迥别于“以画为寄、以画为乐”的纯粹艺术家。尽管他画的是文人画，“逸笔草草”“不求形似”的风格，但他笔下那些“俗气”的题材、“俗气”的色彩，实在与文人画的高雅、典雅、隽雅、和雅、大雅一比即凡若牛马，一定要认其为雅，也只能是“雅俗共赏”的大俗大雅，而绝非“教他俗子终生不识太行山”的风雅。 　　然而，齐白石并不以匠为耻，反而以匠为荣。他不仅为他的雕花师傅周之美作《大匠墓志》，还自刻了“木人”“木居士”“班门弄斧”“鲁班门下”“大匠之门”等印章，常钤盖在自己的作品上，向人宣示自己以笔代刀、以纸代墨的工匠身份。 　　三 　　相比之下，张大千的境况要比齐白石好得多。他早年师从李瑞清、曾农髯，学石涛一路的画风卓然超群，天才杰出，为主流的画坛众所共誉。但他不屑固步于此以自封，而是上溯唐宋，进而“西渡流沙”，面壁敦煌，以三年的修行，率门人小住，包括向藏族民间画工请教，亲力亲为，研习、临摹莫高窟画工的作品，或为写实明快的白描，或为辉煌灿烂的丹青，得300余幅，于1944年在成都举办“张大千临摹敦煌壁画展览”，一时轰动。但主流的画坛认为那不过是“工匠的水陆画”，登不了大雅之堂；甚至有鄙视其画风只是“行画”的。但他不仅不为所动，反而更坚定了对唐宋画工画传统的自信，并反复告诫学画的年轻人：以石涛等为代表的明清文人画，虽然风雅潇洒，画得非常好，但千万不要轻易去学；学习绘画，应该以唐宋画工画为“正宗大道”。 　　如果说，齐白石是从题材上为中国画输入了“工匠精神”，那么，张大千便是从技法上为中国画输入了“工匠精神”。如果说，明清文人画的“艺术性灵”对唐宋画工画的“工匠精神”持不应取的排斥、否定态度；那么，齐白石、张大千的“工匠精神”却绝不排斥、否定“艺术性灵”，而只是主张二者理应合则双美，不应离则两伤。 　　“一阴一阳之谓道。”潘天寿先生论中国画的传统，绝不是单一的，而是平（正）奇互补的。他认为：“画事以奇取胜易，以平取胜难。然以奇取胜，须先有奇异之禀赋，奇异之怀抱，奇异之学养，奇异之环境，然后能启发其奇异而成其奇异。”“以奇取胜者，往往天资强于功力，以其着意于奇，每忽于规矩法则，故易。以平取胜者，往往天资并齐于功力，不着意于奇，故难。”所谓“以奇取胜”，也即重在“艺术性灵”的文人画，以其忽于规矩法则（画之本法），“故易”；又以其强于“天资（画外功夫）”也即奇异之禀赋、怀抱、学养、环境而“世岂易得哉”。所谓“以平取胜”，也即重在“工匠精神”的画工画，以其“严于规则法度”的功力，“故难”，同时又“世更易得也”。这与大学特招与普招的双轨并行而以普招为根本的方针是一样的道理。 　　潘天寿又说：“然而，奇中能见其不奇，平中能见其不平，则大家矣。”其注脚为：“不以平废奇，不以奇废平，莫奇于平，莫平于奇。”以之视齐白石、张大千，真所谓“工匠精神”中有艺术性灵，艺术性灵中有“工匠精神”，所以并为20世纪画坛的大师巨匠也。 责任编辑：王风 Keyword: 鬼故事

Click:スーパー コピー 国内 発送 　　世界三大古典戏剧中，古希腊戏剧、印度梵剧早已烟消云散，那么，中国昆曲又是怎样一种状况？ 　　“袅晴丝吹来闲庭院，摇漾春如线”“遍青山啼红了杜鹃，那荼蘼外烟丝醉软”“则为你如花美眷，似水流年”……歌喉缱绻，唱不完眼前良辰美景；水袖轻舒，舞不尽心中百转千回。清幽夏夜，江苏苏州昆山市巴城老街，昆曲《牡丹亭》的旖旎绮丽看醉了台下所有人。 青春版《牡丹亭》剧照 光明图片 　　“美得如梦如幻！”有观众轻声赞叹。 　　的确，美，是古往今来无数观者对昆曲的一致评价。 　　“美在唱腔、身段，美在辞藻、情意，美在整个气质与氛围。用戏迷们的话说，从‘皮相’美到‘骨相’。”中国昆曲评弹研究院院长朱栋霖说。 　　20世纪50年代，周恩来总理将昆曲喻为戏曲芳苑中的“一朵兰花”，道出其清雅高洁、意蕴绵长。 　　昆曲“幽兰”如何萌芽，又绽出了怎样的芬芳？ 　　“元末明初，民间南戏和昆山当地民谣曲调相融合，经‘精于南辞，善作古赋’的昆山人顾坚改进，发展为昆山腔。”朱栋霖细细道来，“嘉靖年间，戏曲家魏良辅在昆山腔的基础上‘去乖声，谐音律’，使音乐和谐统一，创造了流丽婉转的昆山腔，被称为‘水磨调’，昆曲才有了今天的模样。” 　　水磨调，果然形容贴切——行腔低回委婉、舒缓圆融，似水磨汤团般细腻软糯。正如明代曲家沈宠绥《度曲须知》所言：“功深熔琢，气无烟火，启口轻圆，收音纯细。” 　　字清、腔纯、板正的水磨调，很快大受青睐，文人墨客纷纷为其创作剧本。剧作家梁辰鱼以西施与范蠡故事为蓝本创作的《浣溪沙》，排演后“罗织富丽，局面甚大”，第一次使昆曲从清唱变成了完整的戏曲形式。 　　“自此，昆曲的幽香飘出江南，传到京城、传进宫廷，逐渐成为风光无二的‘宫廷雅乐’。《旧京逸事》载：‘今京师所习尚戏曲，一以昆腔为贵。’优秀剧本也纷纷涌现，《玉簪记》《红拂记》《长生殿》《桃花扇》……昆曲深刻影响着中华民族的文化审美，被誉为‘百戏之师’。”朱栋霖说。 　　然而，梨园之大，自有群芳竞妍。清乾隆年间，京腔、秦腔、梆子腔等被称为“花部”的地方戏蓬勃涌现，一边汲取着昆曲的艺术滋养，一边释放出新鲜而旺盛的生命力，以其通俗化、乡野气备受民众喜爱。“花雅之争”中，“雅部”昆曲逐渐失色。清末民初，国运衰微，全国昆曲戏班更是萎落无几…… 　　在姑苏城北五亩园内，记者见到了苏州昆剧院原院长蔡少华。 　　“1921年，苏州‘四大坐城班’相继解散。为播火传薪，多位昆曲家、票友联合筹款，在这里成立了昆剧史上第一所科班学堂——昆剧传习所。历经勤学苦练，44位‘传’字辈学员学成出师。”指着“昆剧传习所”的石刻牌匾，蔡少华向记者介绍，“此举，为昆曲复兴保留了‘火种’！” 　　新中国成立后，传统戏曲终于迎来春天。 　　1956年初，由“传”字辈艺人周传瑛、王传淞等参与整理改编的昆曲《十五贯》，登陆杭州演出20余场，梅兰芳、欧阳予倩等文艺名家被深深吸引，梅兰芳每场都要买下十几张票送给亲友。时任文化部戏曲改进局局长田汉当即拍板：晋京演出！ 　　“当年，《十五贯》在京连演46场，观众达7万多人次，出现‘满城争说《十五贯》’的盛况。毛泽东、周恩来等党和国家领导人到场观看，给予高度肯定。人民日报发表社论《从“一出戏救活了一个剧种”谈起》……《十五贯》成为文艺推陈出新的范例！”蔡少华不胜感慨。此后，全国陆续成立8大昆剧院团，一批批新秀次第涌现。 　　月落重生灯再红，妙竹佳音发新声。 　　进入新世纪，昆曲的身姿，愈加曼妙！2001年，600岁的昆曲被联合国教科文组织列入首批“人类口头和非物质遗产代表作”。 “六百岁的昆曲，今天怎样了？”

　　“拉美”、“文学”和“爆炸”这三个词搭在一起，实在是富有张力的组合。按照智利作家何塞·多诺索的说法，那些最早给新兴的拉丁美洲小说安上这个名号的人，可能认为它意味着短暂和空泛，“轰隆”一声过后，留不下什么东西。然而事实证明，这场“文学爆炸”更应定义为接近英文本义的“文学繁荣”，因为留下了一批重新定义西班牙语文学的划时代之作，而且经由翻译和传播，它们还影响了世界其他地方的文学创作，成为世界文学的经典。它们让全世界的出版商对当时的拉美文学刮目相看，其中的优秀作品持续不断地被关注、被引介。用今天的眼光来看，拉美“文学爆炸”已经成为世界文学史中的必要章节。 　　文学形式的革新者 　　关于拉美“文学爆炸”是何时开始，又是何时结束，学界比较一致的说法是始于1960年代初，终于1970年代初。在此期间，涌现出一批高质量的拉丁美洲小说，尤以1967年出版的《百年孤独》标志着这一波文学浪潮的顶点。人们普遍将1962年视为开启之年。多诺索在《“文学爆炸”亲历记》中详细回顾了这一年在智利康塞普西翁大学召开的会议。当时拉丁美洲风头正劲的一批作家参加了会议，打破拉美各国间长久的文化隔阂，创作一种不但属于本国、更属于整个拉丁美洲的文学，成为与会者们的共识。 　　也是在这一年，一批后来被奉为经典的拉美新小说几乎同时面世，包括巴尔加斯·略萨的《城市与狗》和卡洛斯·富恩特斯的《阿尔特米奥·克罗斯之死》，再加上胡里奥·科塔萨尔在1963年出版的《跳房子》，这三位作家与加西亚·马尔克斯并称为“文学爆炸”的四位主将。当然，拉美新小说不是在1960年代才凭空出世，而是经历了多年酝酿。有学者指出，这场文学运动在20世纪三四十年代就开始探索尝试，50年代加速推进，直至60年代全面爆发。 　　每一次文学革新，都是一次颠覆性的创举——年轻作家们断然拒绝上一辈人的美学理念，试图另辟蹊径。拉美新小说萌芽之前，在拉美小说中占据主导地位的是那种用风俗主义的眼光、现实主义的手法书写本地乡土题材的作品，这些作品反映出当时陈旧闭塞、缺乏美学创新精神的创作环境。拉丁美洲新一代的小说家们从欧洲和美国的现代主义小说中学习创作方法，他们看重的不是这些故事“讲什么”，而是“如何讲”：原来小说还可以这么写！然而，他们并不是单纯地模仿欧美作家的写法，而是对之有选择地吸收，摸索出一套创造性方法，用来讲自己土地上的故事。这些故事不再是本地风俗的记录，而是对民族根源的追溯、对人的命运和拉丁美洲命运的探求、对社会现实富有哲理的映射和反思。 　　最开始做出这样尝试的作家，在很长一段时间里并没有在本国文学批评界和读者群中引发广泛关注。正是《百年孤独》等作品的巨大成功，带动了拉美小说的整体崛起，使得马尔克斯之前的那些作品真正受到关注，让墨西哥作家胡安·鲁尔福、乌拉圭作家胡安·卡洛斯·奥内蒂、阿根廷作家博尔赫斯等更为年长的拉美作家被“发现”。就这样，从1899年出生的博尔赫斯到1936年出生的略萨，各个年龄层的拉美作家都被囊括其中，成为文学形式的革新者。 　　拉丁美洲的故事 　　王国维先生说，凡一代有一代之文学；罗曼·雅各布森断言，每个时代的艺术中均有一种艺术作为主导。如果说在20世纪上半叶，拉美文学主导性的体裁是诗歌，那么从20世纪60年代开始，小说，尤其是长篇小说就成为拉美文学最有力的代表。诗歌能抒怀咏志、唱出个人的声音，而小说则能讲述民族的寓言。在拉丁美洲人民争取解放的斗争中，一种新的拉丁美洲共同体意识逐渐成形，这种意识影响到文学，同时也被文学所塑造。 　　拉美新小说讲述的不仅是一地特有的故事，更是整个拉丁美洲的故事。这些故事往往从寻找根源的主题开始。在鲁尔福的《佩德罗·巴拉莫》中，一个男人带着亡母的嘱托，踏上了寻找生父的漫漫旅程。在《百年孤独》的第一章，布恩迪亚带着他的族人要打通一条连接马孔多和外部世界的道路，他们沿着与西班牙征服者相反的路线行进，在雨林中发现一艘西班牙大帆船……在这些故事里，原本生活在与世隔绝状态中的拉丁美洲人一次次见证从欧美舶来的现代文明奇迹。例如在《百年孤独》中作为拉丁美洲象征的小镇马孔多，第一次见到火车的居民只能以“一个吓人的东西，好像一间厨房拖着一个镇子”来形容这一现代发明，它既是进步的许诺，又似不祥之兆。对于他们来说，火车如同神话般魔幻。从这个意义上说，“魔幻”意味着欠发达，意味着尚未祛魅的状态。马尔克斯和他的同行们讲述的，就是当时生活在欠发达状态中的拉丁美洲人经历的欢欣与苦难，他们一次次被点燃又一次次被浇灭的希望。 　　当然，“魔幻现实主义”不等于当时拉美小说的全部。这些拉美故事不断突破小说自身的界限，或与其它艺术形式有所联系，或邀请读者一起向传统的小说阅读方式发起挑战，它们意味着新的结构、新的语言。富恩特斯的《最明净的地区》读起来就像在观看墨西哥现代艺术家创作的巨幅壁画；阿莱霍·卡彭铁尔的《追击》采用了与交响曲的诸乐章相呼应的故事结构；略萨的《绿房子》如电影镜头般轮流展现在不同时空中并行、最后交织在一起的多条故事线；科塔萨尔的《跳房子》更为大胆，让读者自己去选择章节的阅读顺序；卡夫雷拉·因凡特的《三只忧伤的老虎》从小说标题开始就不断抛出文字游戏。在这些作品中，我们能感受到作家无穷的创造力和拉丁美洲人民不竭的生命力。这些力量的积聚，要突破小说固有的边界，要释放太多的能量。 　　从20世纪70年代起，拉美文学就难以复制那种划时代作品集中诞生的热闹场面了，但其余波仍久久未平。在文学后辈们如伊莎贝尔·阿连德的《幽灵之家》中，能明显看到《百年孤独》的影子，罗贝托·波拉尼奥的《荒野侦探》也带有《跳房子》的痕迹。曾经几乎不为世人所知的拉美小说，已经成为各国出版商绝不会忽略的选题。60年后回看，这就是拉美文学的“走出去”，是拉美作家以饱含原创性的精神、跨越国界和大洲的眼光和气度，尝试了小说创作的新的可能性，实现了拉美小说的现代化与国际化。这也是拉美“文学爆炸”在热闹过后留下的一份宝贵的经验遗产。 　　（作者为南京大学西班牙语系主任） 责任编辑：胡梦音 Keyword: 工作間出租

　　“当今世界，信息技术创新日新月异，数字化、网络化、智能化深入发展，在推动经济社会发展、促进国家治理体系和治理能力现代化、满足人民日益增长的美好生活需要方面发挥着越来越重要的作用。” 　　第十三届中国艺术节（简称“十三艺节”）创新传播途径，促进文旅融合，利用“互联网+”模式，构建集成化展示、分众化传播的演播直播平台矩阵，建设“云剧场”，举办“云展览”。虽然十三艺节已接近尾声，但“云端”艺术节的热度依然不减。 　　截至9月12日，已经有58台参演、参评舞台艺术作品在十三艺节期间以线上演播的方式与观众见面。文艺中国（快手号、抖音号、视频号、微博、哔哩哔哩）、文旅之声、文旅中国云演播平台、学习强国等官方演播平台，以及光明网、中国网等200多个平台参与了线上直播，总观看量达2.63亿人次。其中，多部剧目的总观看量过千万。 　　此外，“云上群星奖”作为群星奖线上传播主平台，全面展示本届群星奖优秀作品和历届群星奖精彩内容；展览也通过“云端”打造永不落幕的数字展厅……线上线下相结合的方式跨越了时空的限制，扩大了受众面，让全国甚至世界各地的观众足不出户便可享受十三艺节的各类艺术盛宴，真正做到了艺术为民、艺术惠民。 观众通过画屏并借助互联网等多种技术，观看摄影作品。 中国美术馆供图 　　精彩剧目盛放“云端” 让高雅艺术走进百姓心中 　　“各位主演都很棒，不愧是‘国家队’！” 　　“唱得好，这个时代需要这样的作品……” 　　一端，是线下演出的剧场掌声雷动；另一端，是线上直播间里弹幕热闹非凡。 　　9月4日，第十七届文华大奖入围作品及文华表演奖参评作品京剧《风华正茂》在北京梅兰芳大剧院完成了线上线下“双演”同步。剧场里，生动感人的革命故事，虚实相生的舞美意境，青春激荡的艺术品相，带给观众绝佳的视听体验；屏幕前，镜头推拉摇移的精准叙事，摇臂旋转俯仰的气势营造，偏向影视风格的拍摄呈现，让网友在观赏剧目本身的同时，感受影像戏剧的魅力。据了解，该剧目在线上直播总观看量为854.51万人次。 　　这样的“双演”合璧，是十三艺节的新常态。艺术节期间，线下活动严谨有序，线上展演、展览丰富精彩，极大丰富了人民群众的精神文化生活。 　　隔屏赏戏，让观众看清了演员的妆容及细微的表情、动作，加上近景和全景的切换，有了比剧院现场观剧更丰富的视角。直播间，网友们互动不停：对越剧《枫叶如花》，有网友评论：“百年越剧，正如二八少女，正值芳华。”有网友看完京剧《母亲》后留言：“英雄的母亲，养育出英雄的儿女。想念母亲。”看过沪剧《敦煌女儿》，网友感叹：“敦煌脉脉相传，万古长存。舞台张弛有度，音乐抑扬顿挫，无不牵动着情绪与思绪。”不少网友被民族歌剧《红船》感动，赞叹伟大的中国共产党“开天辟地，敢为人先”…… 网友在直播间里热议豫剧《解忧公主》 新疆生产建设兵团文化体育广电和旅游局供图 　　9月3日，改编自作家陈彦同名小说的话剧《主角》作为第十七届文华奖参评剧目，在河北省衡水保利大剧院演出，人民网、河北新闻网等线上平台同步演播，吸引了近500万人次在线观看。通过线上展演，在线观众近距离感受到了“卧鱼、吹火、拿顶、踢腿、花枪、摆翎”等秦腔技艺。有观众认为：“演员们演得好，陕西话好玩，期待去剧场看现场版。” 　　锡剧《烛光在前》线上直播观看量破千万，让该剧总导演童薇薇始料未及。“线上演播打破了空间的限制，观众以弹幕的形式畅谈观演感受，形成了浓郁的观演氛围。而众多网友的点评也让不了解锡剧或刚接触戏曲的观众，更容易走近戏曲，这是线下演出所无法比拟的优势。通过线上演播可以看出，戏曲其实并不缺观众，缺的是与之沟通的渠道。随着时代的发展，如线上云演播这样的新兴事物产生，‘云端’就是很好的桥梁。未来，我们要善用云演播这种便捷的观演方式，打破戏曲与观众的隔膜。既保证剧院的艺术效果，同时兼顾线上演播需求。”童薇薇说。 　　“八步沙，八步沙边上是我家。狂风卷得黄沙起，妈妈眼里泪哗哗……”9月8日，话剧《八步沙》在甘肃兰州音乐厅上演，以线上线下结合的方式亮相十三艺节。全体演员以张弛有度的表演，生动诠释了“困难面前不低头、敢把沙漠变绿洲”的“八步沙精神”。人民网、新华网、光明网、文旅中国云演播平台等38家网络平台进行了现场直播，总观看量达1289.62万人次。 　　据介绍，甘肃省文化和旅游厅在做好疫情防控的前提下，积极开展“线下演出+线上直播”，使演出院团有收入、演员业务水平不下降，统筹推进疫情防控和院团发展。“我们将积极借鉴外省区经验，组织文艺院团创排和推出更多优秀剧目，提升优秀文艺作品的影响力，进一步加大线上演艺市场营销和开拓力度。”甘肃省文化和旅游厅艺术处副处长张林涛对记者说。 　　8月30日，新疆生产建设兵团文化体育广电和旅游局以第十三届中国艺术节为契机，组织兵团各直属文化单位演职人员线上观看第十七届文华大奖参评剧目豫剧《解忧公主》。古风古韵的场景、优美的豫剧唱腔，深深吸引了线上观众。不少网友点赞、留言。本次线上演播，也创下兵团单场文艺节目在线观演人数的新高。新疆生产建设兵团文化体育广电和旅游局相关负责人表示，将持续推动传统文艺与网络文艺创新性融合，促进优秀作品多渠道传输、多平台展示、多终端推送，提升兵团形象关注度。 　　可见，线上演播的普及性之大、之广，已让看不见摸不着的“云端”成为实实在在的“硬”平台，并成为“艺术为民”的最直接、有效的方式之一，发挥着越来越重要的作用。中央文化和旅游管理干部学院副研究员戴有山表示，随着信息技术的日新月异，很多新技术、新媒体已经在文化艺术的很多场景得到充分运用。如在创作、现场演出等环节，可以运用技术逼真还原布景，让表演与场景融合得更自然；在推广营销及售票方式上，为推广宣传搭建更多平台和载体。更多院团、剧团的演职人员和宣传人员熟练掌握新媒体传播的技巧。艺术传播在互联网信息技术调整发展变化中，正在改变人们欣赏艺术的方式，同时也将会改变艺术的创作方式。文艺工作者要拥抱互联网，借用新媒体来推动舞台艺术的改变，为中华传统文化走向世界而努力。“剧目的线上直播将厚重的专业内容进行了通俗化、趣味化、浓缩化和简约化的传播，符合年轻人的观看习惯和传播媒介，让更多人拥抱文艺，让高雅舞台艺术走进百姓心中。”戴有山说。 话剧《八步沙》剧照 甘肃省文化和旅游厅供图 　　“云端”展览 “全民共享“云上”艺术节”

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